a*f
发帖数: 5682 | 1 关于艺术摄影的讨论基本告一段落了，我今天又再看了一边，觉得很多讨论都很精彩，
值得回味，故此决定整理一下，收编在一起，说不定以后还会对人有用。
大致总结一下过程
虽然之前一直都有零星讨论，但这次的大讨论应该是起源于蓝老对一片"坑贴"的详尽透
彻的回复，紧接着shifting对艺术摄影刨根问底的两篇帖子彻底展开了大讨论。其中
shifting和yo的对话，以及一些平常不太多言的朋友的精彩评论都让我留下深刻印象，
学到很多东西。
非常感谢每一位参与讨论的朋友。
时间有限，整理有所遗漏，次序也并非完全时间顺序，敬请见谅并欢迎补充。
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tgbqaz
看了加油站和几个mark贴像垃圾回收站
杂乱无序
颜色脱落
这就是传说中的文艺青年？
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Kaleege
看到有些大师的照片，确实很像以前我刚开始拍照的时候拍的那些东西。
那时候对自己的照片很不满意，觉得怎么没有杂志上的有视觉冲击力呢？
后来学会拍糖水，知道怎么制造视觉冲击了，看到这些场景再也不会拿起相机了。
当然，并不是说刚拍照时那种照片像大师一样好，那时候并没有掌控的能力，
只是在想那个时候拍照的motive是什么，那种未经污染的直觉也许才是可贵的？
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GoMustang
这个话题太容易 get to personal. 各人审美观念不同，有人喜欢过期胶卷的干涩颜色
，喜欢马路上的傻瓜机随拍，喜欢模仿某些大师的经典，谓之阳春白雪。可是这些东西
看起来，都是偶们整理照片时，扔到回收站的东西。所以这也是偶自从来到本站以后的
疑惑，是偶太土吗？或者，500px上专业业余大师都是下里巴？
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blueice
其实你说得自相矛盾。一边说“各人审美观念不同”，一边说“可是这些东西看起来，
都是偶们整理照片时，扔到回收站的东西”，因为后面的论断是出自你自己的审美观念
，其实是“都是偶整理照片时，扔到回收站的东西”，不是“偶们”。但是也许你认为
垃圾的东西，恰恰是别人审美里面很好的东西，这才展示出来。的确无法否认，有的人
贴的照片放在任何标准里面都不会是一张好照片但是任然贴出来了，但是这是人家的自
由，作为一个开放的论坛，版务无法禁止，但是我想版务不会把这样的照片mark。版务
mark的照片，应该至少是在版务审美观里面有可取之处的照片。如果不理解，可以提问
版务为啥mark这组作品，也许版务可以给出reference。
专业业余大师一般拍过万张以后，都会选择性地选取某一类型继续下去，就好像x大师
就喜欢拍毛豆，版主就喜欢拍淡水片，口味一致，风格一致。拍出来的照片自成系列。
新手喜欢今天拍风景，明天去拍街道，后天拍微距，大后天去拍美女，等等。这些无可
厚非，只要喜欢，也可以一直这么下去。只是看各组照片的时候，审美观需要立即转变
成相应的审美观，你用拍糖水的观念看版主的淡水片，肯定会不喜欢。反之，用版主空
灵的审美观看糖水片，肯定也会说太腻了。你用纽摄拍照需要主题鲜明，重点突出，背
景简单的观念去看William Eggleston的照片，你会说这是垃圾，去看Robert Frank的
The Americans，也会说，这是垃圾。你要用正统观念去看Araki的照片，你会说这是淫
荡，变态，是垃圾，去看Nan Goldin的照片也会说，这是随手拍加自暴狂，垃圾。但是
你不想想，这些都是闻名于世的大师，为什么？经过了几十年的争论之后，人们还是认
为这些作品是作品而不是垃圾，为什么？挂历上的风景照，美奂美轮，但是为什么没有
被收录进博物馆？
艺术作品的生命力在于创新，在于不循规蹈矩。摄影作品不一定能成为艺术作品，但是
一样也需要创新，不重复旧人。Ansel Adams拍了一张half dome成为艺术品，你再拍一
张一模一样的照片就什么都不是，你拿去参赛，第一轮就会被淘汰。最简单的不重复旧
人就是拍你自己周围，拍你自己的生活，因为这是独一无二的。陆元敏在《上海人》序
言里面就表示了对其他人远涉千里去拍别人已经拍过的照片表示不屑，周围的人群和上
班路上的苏州河成就了他。谚语也说，最好的照片就在你方圆1英里之内。而想创新，
第一步就是学习已经有的风格，你需要open mind，需要博览群片，否则你怎么知道你
哪一天脑子突然蹦出来的想法是已经有的，还是新的？这一过程很长，而且学习和创新
可能是并行的。最后，你拍的照片想要被认可，至少要有一系列。单张的好作品可能让
人惊艳一下，但是已经不足以让人有足够的印象了。这个系列从前期策划，到拍摄，到
后期处理，到编辑选片都很重要。这也需要时间，需要耐心，需要沉淀。你如果今天去
拍航展，晚上就把一系列照片贴出来，基本可以肯定，这组照片里面值得商榷的地方很
多，过一年来看，估计能留下来的只有几张。
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majia111
拍糖水片最容易讨喜，人文片则更依赖于观赏者的审美观。我并不是说审美水平有高下
，我只是说观赏者是不是正好与拍摄者有click。
其实，一个人的审美和偏好会来回反复地变换是很正常的，一段时间内喜欢糖水的，过
一段时间也许会转向人文。我以前也经常觉得那些大师们的作品和我扔掉的废片没有区
别，但是，在这个版上蹲了一年多以后，我发现，the devil is in the details，真
是一句颠扑不破的真理。构图这种东西，差之毫厘，失之千里，慢慢揣摩多了，就会发
现details在决定一部作品的好坏上起的巨大的作用。
另外，我觉得这个版上的人都应该以一种宽容的心态看待批判，如果看过《约翰克里斯
朵夫》那部小说，就会记得年轻时候的约翰克里斯朵夫很狂妄地把所有的音乐前辈名家
都批判了个遍，不只是摄影，每个人在不同的领域里都有可能会经历这些过程。其实批
判者在批判的同时也是在思考。最怕的就是不批评也不思考。
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shifting
-关于淡水片欣赏的文化基础-
我自己喜欢拍糖水，我认为对糖水片的欣赏不需要有任何文化背景，只要视力正常，不
是色盲，大家对糖水片的审美大体上是趋同的。
但是在看过一些板上淡水大师们推荐的淡水经典片之后，我就有一个疑问，究竟淡水片
的欣赏，是不是和糖水片一样，不需要文化背景。这个就好象说，各个民族的文学，音
乐，幽默，很多时候不容易被别的民族和文化背景的人理解和接受。当然我明白会有人
说，真正好的作品最终都能够被全世界所接受，就比如说红楼梦也被翻译成很多文字，
梁祝茉莉花也是世界名曲。但是，需要注意的是，在欣赏这些东西的同时，有文化背景
和没有是完全不一样的，就比如说，我听弥赛亚会昏昏欲睡，我打赌老外听二泉映月夜
深沉也仅是听个调调，绝难体会到曲调里的深沉的忧伤。但是值得注意的是这些文化到
了通俗的层次，倒是很容易被所有人接受，就像好莱坞大片。
还有一个观察，也就是几乎所有的淡水大师都是西方人，偶尔有个把日本人，但是也完
全全可以归为西方人一类了。作品的内容也大多是以西方的生活场景为主。我在看这些
作品的时候，我认为我能看出，第一，明显他们和糖水片不同，第二，和大家用数码乱
捏出来的不同，但是我完全没有办法被这些照片打动。所以我在坚信我自己的欣赏水准
不够的同时，也有一些怀疑，也就是说，是不是欣赏这些照片，也需要一些相应的文化
背景。这些背景从最低层次，可以说是对生活环境的熟悉，在上升到一个层次，可能是
对一些西方传统艺术形式，比如说雕塑和绘画的耳濡目染，甚至于，升高到更高层次，
是一些思维方式，文化背景共同交织所产生的一种文化DNA，这些照片恰巧是能够fit到
这样的文化DNA里面的受体。
当然这仅仅是一种怀疑，很大可能是，关于淡水片的欣赏不需要文化背景，仅仅是需要
一种“普世”的艺术修养。我现在不知道答案，我希望有一天我能够知道。
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yo
文化基础现在没时间讨论，说一下你对“西方大师”的疑问，年轻一代中国摄影师们现
在简直是被西方张开双臂欢迎的，可以看看隋志杰的黑白风景，沈玮的彩色人像和风景
（淡水？），游莉的彩色风景，靳华的彩色风景，木格的黑白人像和风景，在西方都是
在一摞一摞的拿奖，出版，和展出，如果六，七，八十年代中国有这么多纯粹为艺术拍
照的摄影师，今天也许就可以说咱们也有某某淡水大师了。。。
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shifting
这些完全就是模仿西方淡水大师啊，这和中国出朗朗出姚明是一个意思
而你所说的“简直是被西方张开双臂欢迎”，不正是印证了我对淡水片西方文化DNA的
推断.
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yo
我觉得他们拍得都很有个性，这里面除了沈玮拍了一组西方人的肖像，其他人都是在中
国拍的，那你说大概怎么样的照片既算是“淡水”还不算模仿西方大师呢？或者你其实
是想说：“所有淡水摄影师都是在模仿西方大师”？
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shifting
我现在觉得对淡水片的鉴赏很可能类似于美食鉴赏，有些东西对于西方人他的确就是美
味，而中国人则是难以下咽。但是因为鉴赏专家是西方人，而且他们的确觉得这些东西
是美味，并且很可能develop出了一套某种意义上的评价标准。但是一个长着中国胃的
人很肯能永远无法接受这类食物。
当然也完全有可能有一些中国人真的就能一下子接受并且爱上这些食物。
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yo
“永远无法接受”？我看在美中国人吃牛排龙虾也吃得津津有味的啊？为啥要先入为主
地禁锢自己的思维？
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shifting
我猜问题的关键是，假设这些淡水片地的确确是基于文化DNA的，那么对于不具有这样
文化DNA的人有没有必要去acquire这种欣赏的能力，其benifit又是什么？
这就很像早期很多港片喜欢拿中国人喝不惯咖啡当笑料，类似的，对淡水片的审美能力
拥有与否是否也会涉及到文化上的歧视呢？当然这个扯得太远了，且非常的狭隘。。。
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yo
如果这个假设不成立，不存在所谓文化DNA，那就没有什么问题了吧？我觉得艺术的欣
赏应该是个人的反应，能够从某种视觉效果上获得愉悦是个人能力，同样文化背景下能
产生品味各异的人才是正常的社会。。。
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shifting
可是，我能够欣赏中国的书法，无论他是什么流派，我大概能分出优劣。我很怀疑老外
看草书会觉得是鬼画符。所以我认为书法是基于文化DNA的，那么有什么理由肯定淡水
就不是呢？
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yo
仅就视觉艺术的观后感来说，一个没文化的人欣赏一幅作品，相比一个懂得作品中各种
细节的人欣赏它，不存在孰高孰低，而且没文化的人很可能因为情感丰富而感受到更多
愉悦，不能分出某副作品优劣并不影响他们的感受。假如你能站在莫奈的两幅睡莲面前
，准确而细致地指出它们之间的高下之分，那会影响你的欣赏体会吗？
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gforce
我个人觉得欣赏这些所谓淡水片的时候需要弄清楚作者的拍摄意图、创作目的（如果还
能了解表现手法就更好了），这样就打开了一扇门，让人朝合适的方向展开思路加以赏
析，相当于告诉你一个抽象的point of interest吧。
文化背景可能是需要的，取决于拍摄意图的局限性，是否普遍为人所知所接受。比如一
组作品里面有的拍年画，有的拍泥人，有的拍一辆夏利，有的拍一根麻花，最后还有个
穿长袍马褂的郭德纲。老外看了可能觉得这是在拍中国，有些中国人看了表示无法欣赏
，不理解为什么把这些常见而又不搭调的东西凑一起，只有具备一定文化素质的欣赏者
才称赞这组作品从不同角度展现了天津的特色。
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Kureimoa
别的咱不懂,不过不必把大师的每一张试图拿出来解释.因为那未必就是好片.
类比一个吧.这里多数是理工男女.想想自己领域里发文章是不是公平.大师级的人物,可
以工作还没做完就跟science的编辑讨论,然后轻松发表.次一档的,当了院士可以每年往
PNAS灌水.
他们都做过成名成家的工作.但这不代表他们后来的工作都是好工作.
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GoMustang
怀着小人之心想想，那些能够一下子接受这些食物的中国人中，有没有人在装X
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purplerain88
这个话太过了，多读几本关于西方艺术的书肯定有帮助
俺在看alf 推荐的 Story of Art， 还没看完，看过的部分很有帮助了解一些咚咚，以
前看了没感觉的读了这本书肯定感觉不同
把自己看不懂的东西说成是垃圾是最方便，最体面的一条路
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GoMustang
照着蓝大师指点的名字查过去，看到的第一张经典大师作品是床底下的一堆破鞋，实在
没看出神马好来。看到 The Americans才产生些许共鸣。实在是想问问版上的淡水大师
，那堆破鞋到底好在哪？
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blueice
半天没来又来一高楼。你呢就是选择性贴照片，W.E.的那么多代表性作品，无论你用哪
个搜索引擎搜索，这张照片绝对不会是搜出来的第一张，也不会是出现频率最多的前十
张中任何一张。人们谈论他的时候，都是谈论他的另外的代表作，童车，屋顶灯，等等
。那些才是真正代表他的作品。
W.E.的名言，I am at war with the obvious。其实就是因为当年彩卷贵，普通穷摄影
师烧不起，大亨们都看不上摄影这种他们认为上不了台面的爱好，而他呢，钱多，爱拍
，随便烧，你也没什么不服的。我来猜想一下这张照片，就是哪天他对着床底下随便拍
了一张照片，没什么目的，没什么想法（但这又正合他war with obvious的理念)，甚
至连拍出来什么样都不一定有数。但是洗出来一看，颜色还不错，于是就放到作品集里
面去了。他拍照片，只要颜色好，他就能收入集子中，反正他是彩色摄影之父，他说了
算。内容好不好，他才不管呢（当然，这是我的YY，大师肯定也是万里挑一地做成集子
的）
。你爱咋想咋想。你如果真问他，他可能会说，答案是
war with the obvious，并且颜色好。你觉得不好，因为你就是喜欢obvious，而我就
是要反其道而为之。你说这是垃圾，他哈哈一笑，随手拿出十几张代表作，说，年轻人
，你先拍出十几张代表作，成名立万了再说，到时候，就是垃圾照片，背面签上名，也
能被人趋之若鹜地收藏，或者卖不少银子，在这之前，说啥都是枉然。
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ageha
未必是什么文化背景吧。俺觉着不管糖水淡水，乃至任何一种艺术，能provoke观众/听
众/欣赏者的某种思绪情感才有意义。这些感想可以是很具体的也可以是很抽象的也许
观者自己也无法pin down的情绪，但通常需要艺术家/作者本人在作品中投入真诚。很
多'糖水片'有震撼力是因为他们多少传达出拍摄者心中感受的美和从他们的视角本身受
到的冲击力，纯technical架构的华丽也能让人觉得漂亮但是回头大概就很难想起了。
但糖水片的欣赏大概是比较容易普遍的因为是从视觉的冲击引发比较直观。淡水片的欣
赏则可能更有'针对性'，非是东方西方这样的文化差异，而是观众的整体经历和人生体
验的差异，包括文化背景；但相对的，欣赏的切入角度反而也可能更广泛。好比一些小
破街道的照片，也许我看了想起小时候住的小城镇场景于是有怀旧的亲切感，有些同志
看到的是布局和线条的优美或者稳定，更有些同志从他们所熟悉亲近的角度去看，但没
法产生任何意义的共鸣。这个大概可以说是阳春白雪下里吧人，但阳白下巴什么的未必
就得是什么艺术家平民的区别或欣赏水准高低的区别，不过契入角度不同。不过观众没
感想可以，要是作者本人创作的时候也没想法没目的没主题就扯了。云在青天水在瓶，
无论表现为何，背后的东西一定要是真诚的，那么总能有欣赏者。
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alf
“淡水片”这个词其实是今天才第一次由蓝老提出来，似乎一下就成了流行词汇。我想
不妨就把淡水片定义为内容平淡，景色无奇的照片吧。今天GoMustang反复询问破鞋有
什么好看，Shifting大致也有同样的疑惑，他试图以文化差异来解释。之前有网友在评
论我的照片的时候也提到公园看着很普通，究竟为什么有些内容平淡不起眼的照片会让
人着迷，相对于yo和蓝老耐心的大段解释，我只是以吃货逻辑来应付，很对不起版务的
工资。不过刚刚想到用一句名言来解释我个人对淡水片的理解也许能有所帮助:
Seeing Is Forgetting the Name of the Thing One Sees - Paul Valéry
我的理解是，当你观看一样东西的时候，你是带有对这样东西的常识的（比如，你首先
想到的是这样东西的名字），只有抛开这些常识，你才能专注于纯粹直接的视觉观感。
不好意思，还得再举一个吃货的例子，吃油炸臭豆腐干，虽然闻着也不臭，但如果你想
着这个豆腐是坏掉了发了霉的豆腐，你是无法享受的，只有忘记你对所吃的东西的一切
了解，你才专注于味蕾的感受，才能真正享受美味。吃麻辣火锅也是如此，你不需要知
道汤料里都放了哪十几种调料，你只需要专注味觉享受。
很多糖水片依赖于观者知道内容的文字名称才能欣赏。比较明显的例子有灯塔，城堡的
糖水片，如果观者缺乏关于灯塔，城堡的文化背景，这些糖水片就不具吸引力。更加
subtle的例子比如这张大峡谷的片子
观者需要知道峡谷这个概念，才会觉得这张照片壮美，假设一个从不知道山川峡谷是什
么东西的人看这副照片会是什么感受呢，大约就和我们普通人看下面这副照片的感受差
不多
（人类舌头表面在显微镜下的照片）
很多淡水片追求的恰恰是观者在忘记内容名称之后对照片的纯粹观感。有的淡水片就是
在提醒观者，这些稀松平常的东西，如果我们以忘却他们的名字的心态去观看的话，是
多么的美丽动人。
当然了，这些观念绝对不代表艺术摄影的全部，事实上绝大部分照片在追求纯粹视觉观
感以外还是和关注拍摄内容的社会意义有关联的， 在观看的时候可以来回切换，先以
抛去常识的心态去体验照片的纯粹视觉体验，再去阅读照片所展现内容的社会含义，再
回到纯粹视觉体验，依此类推。
update: 补充，糖水片也有很多追求纯视觉感受的，只不过他们大多也追求拍摄对象
本身的吸引力。
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MOCA
摄影其实只是一种手段, 有人用来记录，有人用来创作， 创作的时候就需要有强烈的
个人色彩。 相应的摄影欣赏也随着个人的经历和审美有很大的关系， 无所谓高下之分
， 淡水片和糖水片拍到极致都会很出彩， 不过我觉得从艺术的角度糖水片比较难到极
致， 因为你先天就被摄影的对象和场景引导和控制了， 相比而言， 淡水片追求一些
经常被人忽略的美学上，或者是哲学上， 形而上的东西， 所以容易在不经意的时候打
动人。
我比较喜欢下面的一段文章， 非常有意思，我觉得用一句话来概括最好不过： 摄影使
人对世界的看法异化，人对世界的欣赏同时需要摄影来还原～
摘自 Susan Sontag 《论摄影》
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照片能使人们在想像中拥有飘渺的过去。同样地，它也能使人们拥有并不属于自己的空
间。因此，摄影与影响面最广的现代活动之一——旅游发生了密切的联系。外出旅游时
若不随身背架相机就显得不正常。对于那些神思恍惚、多少有些焦虑的度假者来说，照
片是他们旅行了一次并玩得很快活的一个不可辩驳的证据。照片把人们在家人、朋友、
邻居范围以外的消费活动记录了下来。人们对相机的依赖并不因旅游次数的增多而有所
减弱，相机依然被当作是把一个人的经历真实再现的手段。对于乘船沿尼罗河逆流而上
或在中国旅行十四天拍摄了大量照片作为战利品的旅游探险者，以及在埃菲尔铁塔前摄
影留念的度假者来说，拍照满足了他们同样的需要。
- - 摄影能证明一个人的经历，但也能否定它——把经历转变成为一张照片，一个纪念
品而已。现在旅游已经变成一个人处心积虑地积攒照片的行动。拍照这一行为本身对人
们的心理就起到很大的抚慰作用。大多数游客只要一看到富有特色的景物，就会不由自
主地拍照留念。面对美景佳境，他们无法产生别的感受，于是只好拍照。渐渐地这样一
种旅游方式形成了：停下来，拍张照片，然后继续往前走。这种方法尤其受到那些患有
工作狂的人——德国人、美国人和日本人所喜爱。他们在旅游时还能做些与工作类似、
使他们感到安慰的事——他们还能拍照。
- - 照片既给人以不真实的存在感，又是不存在的象征。照片——尤其是关于人物、遥
远的风景或远方的城市的照片，就像屋中燃烧的炉火一样容易勾起人们的退思。照片带
给人们的那种可望而不可及的感觉，与因阻隔反而增强爱意的人之间的思念之情相吻合
。无论是一个女人的钱夹里的情人照片，少男少女床头贴的摇滚明星的海报，还是出租
车司机的仪表板上方悬挂的孩子们的生活照——这些把照片当作护身符使用的做法表达
了人们伤感的情怀，同时也体现了一股说不出的神奇之处，似乎照片真的能把人们与另
外一个世界联系起来。
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Dubaigirl
版主,你这一组淡水可真是一石激起千层浪啊！我又看了一遍你的那组照，好像更有点
意思的
。但是，我想平淡的东西可以不要拍得颜色很绚丽，但是还是有点能抓住人视角的东西
可能比较容易让人有共鸣。我记得有一张（可能是你贴的？ ）日本大师照他老婆的照
片，在一棵大树下看书，很平淡啊，但是非常好，让人能一下走到那个世界里的感觉。
其实这和听音乐，看画是一样的，还是要能够唤醒观者的共鸣，不然就算构图再完美，
就像匠人写的多宏伟的交响乐，符合一切规矩，却没有莫扎特的天籁之音感染人。瞎说
两句，不太敢在网上贴。见笑了。
你还是个很用心的版主的，支持！！
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alf
谢谢你的评论，关于共鸣一段写得真好。很多人也是和你相同的想法。艺术理论里我也
看到关于只有触动灵魂才能成为传世经典的说法。
我和你理解稍有不同的地方在于我觉得这个有共鸣是很主观的，每个人都可能不同。就
说你说的交响乐吧，有的人就是更能和瓦格纳宏伟的交响乐产生共鸣，而对莫扎特没有
感觉。很难说他们谁高谁低。照片的情感共鸣也是如此，我在拍摄的时候有很多都是因
为和场景有某种共鸣，但且不说我是否能表现，各个观者即使实地看到同样场景是否能
够产生共鸣，产生什么样的共鸣都是大相径庭的。作为大多数拍摄者，只要某些照片能
与某些观者产生某种共鸣就很满足了。
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Dubaigirl
同意。“作为大多数拍摄者，只要某些照片能与某些观者产生某种共鸣就很满足了。”
所以有知音一说，对吧。
我只是希望对一些新手或者模仿的拍摄而言，不要去为了“淡水”而“淡水”，刻意地
去追求一种风格或者格调。或者可以说，撇去商业片（那是为了迎合顾客的需要），如
果是自己玩赏而拍的片子，不需要去定义糖水或者淡水，按下快门，是因为那刻有你看
到了打动你的一瞬间，所以你要记录下来，也希望看到这张像片的人能够感受到那瞬间
的感悟。就像你去画一幅画，写一首诗，唱一段歌曲一样吧，套小学语文的一句话，是
有感而发。
随便说说，大家见笑了。
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yo
我觉得“打动。。。瞬间”这个目标对于艺术摄影来说还是太狭隘了～ 有时候它就是
纯粹形式上的表述，并且不是为了打动谁。。。
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alf
是的，这里我没有讲清楚情感共鸣的定义。我所说的情感是比较广义的情感，并非一定
是某种人与人（或动物）之间的感情。
不好意思我还得举吃货的例子，有时候有些东西好吃到让人感动，这种感动可能是一种
味觉引发的回忆，也可能是对做饭人感激的感情，也可能就是纯粹味觉享受而带来的感
动，也可能是强烈味道对大脑的刺激，可能性是很多样的，而且不同人的感动也可能不
一样。
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shifting
摄影艺术之死
我是一个没几只艺术细胞的人，最近居然狂侃艺术有关话题。我所扮演的角色是一个很
认真很热忱的路人，提供一个路人的视角。
所有的艺术，都起源于生产生活的实际用途。音乐起源于田间地头的劳动号子，书法起
源于占卜记事，绘画起源于岩壁上的涂鸦。所有的艺术都必须有载体，音乐需要有乐器
，书法需要笔墨纸砚，油画需要有油彩帆布，而这些载体，也可以说是艺术的工具，技
术手段，也是有一个不断进化，不断进步的过程。在人类漫长的文明史当中，这些艺术
的工具，在绝大部分时间内进步是非常缓慢的，远远超出一个人，或者几代人的生命长
度。这一点很重要，因为艺术很像培养细菌，需要有一个从开始到加速，最后到peak的
过程，而这个过程需要一个稳定的载体，从而逐渐形成一定的规范，逐渐成熟，达到顶
峰。倘若中间培养细菌的环境突然改变，这个过程必然会遭到破坏。所幸的是，这一点
对所有的传统艺术来说，均不是问题，比如说，毛笔先秦就形成了，而西方绘画的材料
和工具也应该有上千年的历史。所以，作为载体的技术稳定，是艺术发展的一个必要条
件，反之的例子，可以看书法，好像钢笔产生之初，还有人弄什么钢笔书法，后来乱七
八糟的笔出现了，也就没人弄了，所以，钢笔作为一种技术手段和载体，它自身的历史
过于短暂，没有办法形成属于它本身的艺术门类。
摄影也是如此。摄影本身的历史大概有一两百年，这个时间说长不长，说短，可也不短
了，所以我们看到的是，的确产生了一些摄影大师，这整个过程，也就是胶片的历史。
从最开始的湿版黑白技术，到后来的彩色正片负片，技术手段基本上是稳定的。但是这
一情况，完全被数码的出现所打破了，数码的技术进步别说承载一门艺术的发展和成熟
，就连普通用户头两年刚买的相机到今天都完全过时了。所以，数码的出现宣告了摄影
作为一门艺术的死亡。当然有人说摄影，如果能够被称为艺术的话，从来也没有达到其
他传统艺术门类的高度，不过他的载体短命，没人可以说如果。
其实，不光是摄影，在人类进入了工业信息社会之后，技术进步的速度，决定了人类不
会再产生新的，传统意义上的艺术门类，这一点，不知是幸与不幸。
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greatblue9
摄影难道一定要局限与用胶片相机吗?如果你把摄影艺术定义为一定要通过胶片来实现
的艺术,这样的定义是否有点太狭隘了?
上个周末去了趟NYMOMA,看了许多大师的油画作品,也看了CINDY SHERMAN的摄影作品.从
油画作品中,可以看到不同时代不同的作品,立体主义,抽象表现主义,极简主义等等,就
象在回顾艺术史一样.而cindy sherman的后期作品也是用数码合成来表现的.但moma依
旧把这些作品定义为photography.我个人觉得,随着数码时代的到来,艺术家可以通过更
多的方式来表达自己的想法.摄影艺术肯定不会结束,反而会出现更多的新的不同概念的
作品.
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shifting
我说的再清楚不过了，载体技术的快速进步使得产生传统意义上的经典艺术变为不再可
能。
什么意思?就是说，一种成熟的艺术形式，能够拥有最广泛的群众基础。比如说，在古
代，
目不识丁的农民，他也是知道弹古琴是一种高雅的艺术，他看不会写字，也觉得写得一手
好字的人让他羡慕不已。
现代艺术，由于其技术表达手段的纷繁变幻，远远无法达到这样的群众基础。普通人去参
观代艺术展览，完全有可能会觉得展出的都是垃圾。这不代表这些东西不是艺术，只不过
他们没有，并且很可能永远也不会有传统艺术形式那样广泛的群众基础。
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support
觉得现在对艺术分类的趋势是摆脱载体，强调受体。
比方说，视觉艺术，涵盖从绘画到雕塑到模型到摄影到甚至一些短片。而绘画也开始搞
多媒？体，开始是油画中用丙烯颜料，现在是什么都用，甚至破报纸，一切能表现颜色
质地线条的东西。拍张照，然后用ps大改，也是。要说成熟的理论，绘画中除了技法之
外的理论，都还适用于视觉艺术。继承并发展呗。
都用线条和色彩来表达，至于是画出来的，什么笔画的，拍出来的，还是ps出来的，不
是本质。新技术让艺术更灵活。传统油画，矿石颜料，只有六种颜色。所以达芬奇再牛
都画不出凡高的色彩，睡莲的光影。当然除了颜料化学技术之外，理论和审美也没有发
展到。后者也是随时代前进的。
音乐，其定义本来就不那么依赖载体，从拍手打拍子到电子乐，到将来外星人唱歌，凡
用节奏和频率来表达的，都是音乐。
古代农民可能也觉得贵族弹琴敲编钟一点也不好听
不如自己唱，天气这么好，不如来一发啊的山歌好听。
郑板桥唐寅的画，在农民眼里，未必比大红的剪纸，胖娃鲤鱼的年画更好看。
古代不会写字的农民，可能觉得张旭那个是画符，王羲之的字，不如村头写对联的大小
如一。。。
所谓最广泛的群众基础，就是个不存在的东西，就任何时代而言。这个所谓的基础，不
因过去发展缓慢而存在，发展缓慢的时代知识传播也慢；同样不因为现在发展快而削弱。
因为本来就是个不存在的东西。
虽然这个时代的，回过头去看过去的时代的，会有些共识。
任何时代，而对于本时代的艺术，就像对于本时代的科学一样，只有业内人士，才真
有鉴别力。
说到底，都是人类创造力的精华，能被同时代大多数人理解，明白和认同的，无非说明
，创造力不够，原创性不强。一个字，俗。不论对科技还是对艺术。
类似的，我们觉得微积分顺理成章理所当然，但放到全球70亿人口中看，有百分之多少
这么认为且能信手使用？那可是几百年前的技术了。看所谓的现代艺术也是如此。别说
现代了，印象派的作品都未必群众基础广泛。大众普遍认可画的“像”的， 和大众对
两个铁球同时落地基本没异议，是一个层次的结果。
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strongwong17
你所谈的只是人们大众对艺术的perception, 什么是艺术是过去很长时间所有艺术家讨
论的话题.没有任何人有权威去定义什么不是艺术
The expression or application of human creative skill and imagination,
typically in a visual form 看看这个艺术的定义
从杜尚将小便池搞到博物馆里展览的那刻, 艺术已经无处不在.
摄影器材的普及我觉得反而给更多的艺术家更多的表现平台,不但颠覆了摄影自己, 更
让传统艺术对自己的发展和未来有个更深刻的认知, 任何事物出现都有影响, 有正面的
也有负面的.
艺术从来没变化过其本质. |
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